2023年洛神赋图美术鉴赏论文(大全10篇)

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洛神赋图美术鉴赏论文篇1

视觉体验对于广大社会大众来讲，是一类生活常态，为了系统化贯彻素质化教育方针，中专美术鉴赏课指导教师，应当灵活改造并科学沿用各类视觉文化要素，尊重个体主观思维发散延展规则基础上，及时稳定课堂内部和谐交流氛围，确保为学生群体提供更加人性化的指导服务。归根结底，美术鉴赏课原本就不是单纯样式的知识传授行为过程，可以说其对于新时代文化传递和中专生情感科学培养工作，情有独钟。作为内部专业化实践指导人员，必须运用各类先进技术和实践经验，引领学生群体积极感受宏观、微观角度下的世界，为其标准化审美素养和人文情怀舒展，奠定和谐适应性基础。

所谓美术欣赏教学，就是通过感性直观和富有启发性的教育手段，把抽象的艺术理论与艺术知识融入在对具体作品的分析讲解之中，使学生掌握对艺术美的欣赏能力，让学生在欣赏作品中能够将自己的知识和经验充分调动起来，达到感性认识与理性认识的高度。长期以来，涉及教师课堂之上主导性行为尚未根除，同时此类人员经常拘泥于教材内容之上，为了盲目跟进教学进度，对于学生健全形式的审美情趣可以说不闻不问，无法积极响应新时代背景下的中专美术鉴赏课规范准则。首先，教师自身美术鉴赏知识结构过于陈旧。长期以来，我国中专美术鉴赏课程教科书内容几乎千篇一律，只是单纯地针对知名画作、雕像、艺术家背景等，加以叙述；加上课时数量的日渐减少，使得学生根本没有时间和精力研究其余高深审美内容。长此以往，教师工作内容便呈现出僵硬化形态，日常工作中也难免引起不良惰性效应，无疑徒增学生的身心压力，遏制其科学形态的情感价值观、人生观的衍生效率。其次，大部分中专领导都本能地认定，美术鉴赏课不过是一类兴趣辅助类媒介，为了不影响学生最终应试成绩，而强行地进行美术指导教师工作量化改造，课时数量不会超过其余正常课程的一半，某种层面上极大削减了教师的积极从业态度。任何课程，不单单需要尊重学生主体适应地位，同时需要教师提供精确化指导，如若负责解惑的教师都处于懈怠散漫状态，那么受教群体想要在今后获得高效发展成就，就更加不现实了。

这里深入强调的体验教学方式，实质上就是鼓励学生群体主动迈出课堂空间，到美术馆、展厅等精细化观赏各类名作，同时结合自身美术技能和经验，独立完成相关绘画挑战项目，从中获得前所未有的美学感知成就。截至至今，此类实际体验教学指导方式，已然成为一类时尚之举，理应得到各类中专学校领导、教师的全面认可和大力规划布置。

主要就是迎合学生好奇心理进行教学指导单元科学化设计，确保学生最终建立起独特样式的审美情趣和绘画操作技巧。例如：教师可以考虑组织名人名作鉴赏交流活动。首先，依照大众化教学规则进行作品文化背景介绍，验证不同绘画手法的美感彰显效果。其次，结合艺术家传奇人生经历进行作品诸多细节品味，同时鼓励学生将心中的疑问一一列出，促进师生之间和谐交流氛围，为此类鉴赏课内容更深层次地拓展，奠定和谐适应基础。

一旦说中专生主动构筑起一类科学化欣赏理念过后，教师就应该借助日渐发达的多媒体技术设备，着手进行不同知名美术作品影像资料搜集播放，使得教科材料中深入阐述的鉴赏规则，都能够和学校实际教学状况紧密衔接。如在绘画训练环节中，学生时常触碰的构图原理、笔触规则、色彩背景、情感文化等知识原理，都会在任何一幅演示作品中得以清晰映射和呈现。另外，教师应该系统化贯彻自身职责效应，积极组织中专生体验绘画期间任何一类单元结构，掌握任何细节对画面整体美感效果的影响。这样，不但能够科学鉴赏不同类型的美术作品，并且从中积累并完善自身绘画知识结构。另一方面，中专生普遍对于形体、色彩等，具有高度敏感性的，教师必须在教学过程中发挥学生的这一特性，让学生用自己的眼睛发现美术作品中的亮点。同时鼓励学生大胆地用自己的语言表达出自己最真挚的感受，这对于提高学生的积极性，培养他们发现美，感受美，表达美有非常重要的作用。

综上所述，涉及中专美术鉴赏课程的体验教学方式，归根结底，是借助教师专业化指导手段，向学生提供各类美术作品和趣味性感知情境，使得中专生主动在课后搜集各方面资料，完成优质化美术作品欣赏经验梳理任务。相信长此以往，必将能够朝着专业化方向不断过渡扭转，最终为社会主义文化事业作出应有的辅助性贡献。

洛神赋图美术鉴赏论文篇2

美术作品是凝结在画作上的画家对于生活的感悟和理解，因此在欣赏美术作品时，不仅要能够理解画家高超的画技，同时也还要能够欣赏作品的美，理解作品想要表达的内涵。这在具体美术作品中能够较容易地实现，而在抽象美术作品中，由于其抽象性等特征，欣赏者较难理解其内涵。基于此，我们试图运用社会学视角对抽象美术作品的作者生平、生活环境以及政治背景等进行分析，使欣赏者能够更加深刻地理解抽象美术作品。

欣赏者在欣赏抽象美术作品的过程中，了解创作者的生平有助于把握作品中创作者留下的各种痕迹，从而更加理性地认识作品。例如，通过对创作者专业教育经历的了解，欣赏者能够理解作者不同时期作品的特点，以及创作者成熟时期作品中所包含的其他派系的痕迹，对于欣赏和理解抽象美术作品有很大的帮助。又如，通过了解创作者的情感经历，能够使欣赏者了解创作者在创作美术作品时经历的情感，从而能够将对画作的理性理解转移到对画作所表达的情感的感受上来，使欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力得到提升。在对荷兰印象派代表人物彼埃蒙德里安的作品《灰色的树》的欣赏过程中，我们就可以采用了解作者生平的方法，这样就能够更加准确地认识和理解这幅画作，同时对这幅画作的美的印象更加深刻。彼埃蒙德里安曾在早年师从其叔叔——海牙派画家富尔兹蒙德里安，得到了写实浪漫主义的真传，这一经历对其后来的创作影响巨大。在《灰色的树》中，还能够看到写实浪漫主义的特征——将内心深处的浪漫情感通过写实主义倾泻而出。在青年时期，蒙德里安就读于国立艺术学院，受到了象征主义、印象主义和表现主义的影响，开始形成了自己的风格。在1911—1914年间，蒙德里安受到了毕加索等立体主义的影响，因而形成了立体主义的风格，在《灰色的树》中，还能够看出采用了透视和立体三维画法的痕迹。在一战期间，蒙德里安致力于用画作表现和平和发展的理念，因而开始使用中性的色彩，这也是《灰色的树》中选择灰色作为主色点的重要原因。这样，通过对蒙德里安生平进行分析，欣赏者就能够对《灰色的树》有更加准确的理解，能够看出在画作中创作者采用的方法和其创作时的情感等，更能够欣赏到作品的美以及作者人格的伟大。

对创作者的生活环境的了解，能够从源头上帮助欣赏者认识到作者对于现实事物的认识能力。这样，当作者把现实事物抽象地表现为画作时，欣赏者就能够理解作者为什么选择这种方式来表达这样的主题和这样的情感。因为作者的生活环境不仅决定了创作者的受教育程度，同时还影响着作者对于事物的认知和对于情感的体验和表现程度。只有了解到这点，才能够更好地欣赏抽象画作。在对毕加索名画《哭泣的女人》进行欣赏的过程中，就需要充分地了解毕加索的生活环境，才能够深刻理解为什么“女人”哭泣时面部扭曲、眼睫毛的移位到如此地步。《哭泣的女人》是以毕加索的情人多拉马尔为原型创作的。多拉马尔与毕加索维持了长达九年的情人关系，在两人关系刚开始的期间，多拉马尔与毕加索情感很好，两人出双入对。但是，两个人性格都很强硬，在很多问题上意见相左，谁也不愿意妥协，因而经常硬碰硬。在这样的相处模式之下，毕加索开始动手殴打多拉马尔，并且多次将多拉马尔打晕。多拉马尔也因此多次哭泣。毕加索不仅经常打多拉马尔，还经常出言刺激她，使她伤心落泪。在这种背景下，毕加索以多拉马尔为原型创造出《哭泣的女人》。当欣赏者了解了毕加索的创作过程之后，就能够更加深刻地理解《哭泣的女人》中主人公面部的扭曲，也能够理解毕加索刻意对其的丑化，能够进一步地体会毕加索在创作时候的感情。

虽然抽象艺术不直接表达现实社会，不直接表现政治问题，但是创作者所处的政治环境对其创作主题和创作思路也会产生巨大的影响。通过对其进行研究，能够更加深刻地掌握抽象美术作品的内涵。在里希特的画作《派对》中，创作者就通过画作来对明星托里亚尼的中产阶级生活方式进行了批判。这种批判并不是来源于里希特的一时兴起，而是在里希特早年的生活方式以及当时的政治环境影响下产生的，因而有着明显的政治意味。里希特在两德分裂之后，在民主德国生活，后来冲破阻碍到了西德。在与民主德国有着完全不同政治气氛与创作氛围的西德中，里希特的思想产生了极大的震撼，并且努力适应。美国当时在德国的文化艺术政策和政治政策深刻地影响西德的艺术发展，里希特也受到了深刻的影响，进而发展了其政治波普风格，这在《派对》里得到了淋漓尽致的体现。

综上所述，运用社会学视角对抽象美术作品进行鉴赏能够使欣赏者更加准确地理解作品所表达的内容，把握作品所表达的主题，掌握作品所传递的情感，这对于欣赏者鉴赏抽象美术作品有着非常重要的作用。因此，我们在对抽象美术作品鉴赏的过程中，需要灵活运用社会学的视角，通过了解创作者的生平及其所处的生活环境、政治环境等对作品进行全面、深刻和立体的了解，不断提升对抽象美术作品欣赏能力。

洛神赋图美术鉴赏论文篇3

美术鉴赏课虽然结束了，但却让我受益匪浅，老师给我们看的纪录片让我了解了中国及世界其他国家的美术发展进程，让我感受到艺术给人带来的美感，也让我更善于发现生活中的美，审美观也有了很大的提高。在我们的课程中，我最感兴趣的是以莫奈为代表的印象画派，所以我的论文是以《日出印象》来看印象画派。

清晨的海港，海面上薄雾弥漫，一轮红日正从地平线冉冉升起，给清凉的雾气和粼粼的海面渲染了淡淡的红色。几艘小船正缓缓驶来，远处的货轮也开始工作了，整个海港在曙光中慢慢苏醒，阵阵暖意正随着那轮红日扑面而来，破晓前微凉的雾气也在渐渐散去。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现„„这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。

在十九世纪的法国，当一些前卫的艺术家已经厌倦了新古典主义的条条框框，陈旧的题材，宏大的场面，理性的构图，完美的人体，这一切新古典主义的核心传统都已经成为束缚，这些艺术家渴望冲破羁绊，尽情地抒写眼前的世界，抒发内心的向往。于是，一些新的绘画流派相继产生，其中对后世有着巨大影响的就是印象派，他的领袖就是法国人莫奈，而这幅《日出印象》也是最具代表性的一幅，同时更重要的是“印象派”这个名字便从这幅画得来。

但是印象派的出现并不是空穴来风，它的出现有其复杂的渊源。可以追溯到文艺复兴，人们的自我意识开始慢慢增强，画家也开始越来越尊重自己的主观感受，希望表现自己眼前真真切切的世界和内心真实的感情。而且这也是科学技术的发展，吸收了自然科学对色彩的研究，人们渐渐发现，物体的色彩并不是一成不变的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝阳的照射下就变成了金色，当夜幕降临它又变成了黑色。所以环境和光的变化，物体的颜色是随之发生变化的。印象派画家就是抓住这瞬息万变，转瞬即逝的光与色的印象，然后用自己的笔记录下眼前的景色和自己内心的感受。

莫奈觉得没有什么比这更重要，只有这样才是真正的价值和美好所在。他专注于每一个细微的光彩的变化，它的画面以一种超乎想象的灵动性散发着色彩的生命力。在他的画中，那些色块似乎在人们的眼前不停的跳跃，融合，使观众不知不觉中被带动被感染。《日出印象》便给人这种感觉，我们似乎站在海港不远处一个公寓的窗边，眼前旭日正在冉冉上升，驱走清凉的雾气，带给我们新的一天。

红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。

不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。

莫奈选择他观察日出的地点，不是一望无际的原野，不是山峦起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色，他脊恋这里的水上生活，他甚至敏感这里的气候变化，所以这幅风景画充满了生活气息，人文的踪影。水光相应，烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛，给画带来了生气，船上的人若隐若现，给画赋予了灵魂。

绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现。这就是我们常说的，不求形似，而求神似。

我们常常喜欢传统的经典的绘画，喜欢那匀和的色彩细腻的笔法，喜欢那维妙维肖，细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派，是对传统手法的反叛，小笔触，色彩分割的画法，近乱而远和，近粗而远匀，这开创了现代艺术的先河。此后，后印象主义，表现主义，立体主义，超现实主义，抽象主义，风起云涌，争奇斗艳，画家越来越注重于绘画的形式，而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派，绘画成了纯粹的色彩组合，而其内容已经无从可知了。

这一切都起源于莫奈，他不愧为印象派之父，首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。

历史上没有一个画家，象莫奈那样自觉地运用这样的原理，针对同一主题，专门描绘不同季节，不同光线和不同天气状态下的色彩变化，这类作品被称之“连作”。他会在同一地点支上几幅画架，每天在依次特定的时间在特定的画架上作画，周而复始，来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。

由此我们来看19世纪的的法国，在“浪漫”以前，其实有很长一段时期的固板和黑暗。那时，法国画坛由官方学院派主宰，画等级森严。年轻人想走艺术之路，路漫漫、荆棘重重：首先要进美术学院听课，画《圣经》故事或以希腊罗马历史题材的学院画参加比赛，获奖者到意大利进修，然后作品在沙龙展出，被美术学院聘用，最后进法兰西美术学院，才得以修成正果。

于是就有一部分青年画家反对官方学院派的墨守成规和独断专行，要求艺术上的革新和创作上的自由。他们经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆，交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。

当时随着科学的发展，光学和色彩学的很多研究成果问世。追求创新的画家们深受这些成果的影响和启发，把它们直接运用到艺术法则上，如：他们认为自然界的一切物体的色彩都是七种原色组合而成的太阳光的照射的结果。在不同的时间、环境、气候等客观条件下，物象受不同的光的支配而产生不同的色彩，如果离开了光和色彩便没有世界。

因此,印象派和古典写实派的首要区别就在于,它把表现“光”和“色彩”的综合效果成为画家绘画的首要任务，而具体的物象只是传达光和色彩的媒介，其本身的意义成為次要。所以我们在印象派的画中看到的是充满阳光和空气感的色块组合，大笔大笔的色块组成画面，展示色彩斑斓的与过去完全不同的视觉效果。其次，由于阳光、空气等环境是瞬息万变的，捕捉“光”和“色彩”带来的瞬间“印象”，便成了画家的另一任务。于是他们把画架搬到室外，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的“印象”。印象派画家们把户外写生发展到最高度，展示出大自然不寻常的丰富灿烂的景象。再者,在构图上，印象派发展也可以说是夸大了古典主义的绘画的透视原则。対透视造成的物体大小形变加以强调,造成一种别致的“第一印象”的效果。另外,在造型上，印象派舍弃物体的边缘轮廓线，代之以较为含蓄的色彩过渡或强烈的色彩变换。也就是说是翻转了造型和色彩的关系，让造型服从于色彩,产生一种光影的朦胧。

所以说印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印象派的代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，这就是大名鼎鼎的“后印象主义”三剑客。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始了。

洛神赋图美术鉴赏论文篇4

顾闳中，江南人，五代时期南唐画院待诏。他绘制的《韩熙载夜宴图》，构图严谨精妙，人物造型秀逸生动，线条遒劲流畅，色彩明丽典雅，在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物画的风貌。

五代十国（公元907-960年），在中国历史上是一个动荡、分裂的年代，而在绘画艺术上却是一个承前启后的重要时期。对意境的追求和对情趣的探索，使山水画与花鸟画得到新的发展，预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。五代人物画也更为精进，融汇了秦汉的纯朴豪放，魏晋的隽永含蓄，逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能，要求生动地再现现实的事件和人物，在客观上直接促进了写实技巧的发展。从古代人物画中，我们不仅可以了解一些历史事件，还可以通过那些或禾农丽丰腴、或柔淑温婉的生动形象了解那个时代的面貌和人们的精神境界。

据《宣和画谱》记载，《韩熙载夜宴图》是顾闳中奉南唐后主李煜之命，夜至韩熙载的宅第窥视其夜宴的情景而作的。画中的主要人物南唐中书舍人韩熙载，出身北方豪族，避难来到南唐，李后主欲命其为宰相，而韩熙载见国事日非，不愿担当此任，遂终日纵情声色，与宾客作长夜之饮，画中的其他人物也大多真有其人，如状元郎粲、和尚德明等，都是韩常的常客。画卷里，韩熙载虽放浪形骸，但始终双眉紧锁，难掩忧心忡忡。桌案都比较低矮，正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期，琵琶箫鼓、秀墩床榻，室内的陈设器物无不体现了时代的特点。现实主义的题材要求画家深入地观察生活，捕捉生活细节，目识心记，悉心体会，然后艺术地再现，把自然形态上升为艺术形态。

《夜宴图》采用了我国传统表现连续故事的手法，随着情节的进展而分段，以屏风为间隔，主要人物韩熙载在每段中出现。通过听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等情节，叙事诗般描述了夜宴的全部情景。画家在构图上作了精心安排，每段一个情节、一个地点、一个人物组合，每段相对独立，而又统一在一个严密的整体布局当中，繁简相约，虚实相生，富有节奏感，图中三个屏风绝不雷同的处理方法体现了画家巧妙的构思。人物的趋向动势变化丰富，疏密向背有致，神态动静相宜，全图之势蓄于画卷之内，紧密而富有张力。第三段景物中安置了一枝烛台，红烛高照，点明了《夜宴图》特定的时间，而并不精心描绘夜色，这种中国传统式的意象表现手法与方式共同构成了一种“有意味的形式”。

画家对人物的刻画尤为深入，以形写神，显示出高超的艺术水平。五代人物画中肖像画的技巧前所未有地发展，顾闳中就是一位著名的肖像画家。古代称肖像画为“写真”，“真”就是指对象内在的精神本质，即“神”，具备了高超的写真技巧，对创作人物画来说自然是得心应手。通过对不同对象的形体姿态、目光手势的相应描绘，画中人物有的弹奏舞蹈，有的按拍欣赏，情态生动。而对主人公刻意描绘，曲尽神形。韩熙载形体高大轩昂，长髯，戴高巾，从倚栏倾听，到挥锤击鼓，直到曲终人散，各个不同的场合始终眉峰双锁，若有所思，沉郁寡欢，与夜宴歌舞戏乐的场面形成鲜明对比，表现了韩熙载复杂的内心世界，刻画了人物特殊的个性，十分传神，由此深化了《夜宴图》的内涵。

无论是设色还是用笔，《夜宴图》的表现技法堪称精湛娴熟。古人善用矿物质颜料作画，历经岁月的磨砺依然璀璨夺目。《夜宴图》多处采用了绯红、朱砂、石青、石绿等色，对比强烈，而整个画卷统一在墨色丰富的层次变化中，色墨相映，神采动人。古人作画，专尚用笔，在准确地把握了对象的形体特征以后，用笔除了勾画出对象的外在轮廓之外，同时具有表达对象本质的要求，线是一个独立的艺术元素，在东方绘画中具有独特的审美意味。用笔的变化概括起来说是“轻重疾徐，偏正曲直”八个字，实践起来却是千变万化，全凭画家妙悟，自然灵变。《夜宴图》用笔挺拔劲秀，线条流转自如，铁线描与游丝描结合的圆笔长线中，时见方笔顿挫，颇有韵味。人物衣纹组合丰富有变化，须发的勾画“毛根出肉，力健有余”，画尽意在，塑造了富有生命活力的艺术形象。

附1:韩熙载(902-970)，字叔言，五代十国南唐官吏，青州人。后唐同光进士。因父被李嗣源所杀而奔吴。南唐李昇时，任秘书郎，辅太子于东宫。李璟即位，迁吏部员外郎，史馆修撰，兼太常博士，拜中书舍人。

958年（交泰元年）钱贬值，他提议铸铁钱，提高币值。一枚新大钱，当十枚旧钱；一枚新小钱，当二枚旧钱。仿“开元通宝”规格，徐铉为书篆文。新钱铸成，广为流通。韩熙载拜户部侍郎，充铸钱使。后升任兵部尚书，勤政殿学士承旨。

他博学多闻，才高气逸。举朝未尝拜一人。善为文，史称“制诰典雅，有元和之风。”文人、道释求他撰写铭志碑记者不绝。又善谈论，审音能舞，画笔精妙，工书法，与徐铉齐名。善品评歌舞书画。他放荡嬉戏不拘名节，蓄有爱妓王屋山。王屋山俊慧异常，能歌善舞。韩熙载尝自击鼓，让屋山舞“六幺”，以此为乐。有《韩熙载夜宴图》、《纵乐图》，记其奢侈生活。

后主（李煜）以其尽忠敢言，屡欲封他为相，而嫌其荒诞，遂搁置。

他累官至中书侍郎，光政殿学士承旨。卒后追封为右仆射同平章事，谥“文靖”。有《定居集》、《拟议集》（已佚）、《格言》50余篇，论古今王霸之道，舒雅为之作序。

附2《韩熙载夜宴图》赏析在北京故宫博物院内珍藏着一幅一千多年前的古典绘画--《韩熙载夜宴图》。这幅镇院之宝出自五代南唐（937年975年）名画家顾闳中之手，经过千年的辗转，如今竟能完整无缺地保存下来，堪称奇迹。

顾闳中，,江南人，以善画人物著称，长期担任南唐翰林院画待诏。，是一幅描写当时的现实生活，反映真人真事，具有深刻主题思想和较高艺术性的作品。。说起顾闳中这幅传世名画，有一段颇不寻常的故事。

据中国画著录书《宣和书谱》记载，五代时南唐中书舍人韩熙载是一位很有才华的官员，出身北方望族，唐朝末年登进士第，懂音乐，擅长诗文书画。工书善画，而且富有政治才能，但是，此人蓄养歌伎，纵情声色，家里常常云集宾客，时时饮宴，常常酣歌达旦。把一腔苦衷寄托在歌舞夜宴之中。权弱的后主李煜倚重韩熙载，想用他为相，又不放心。原来，当时国家分裂，南北分治，南唐国势衰弱，北方强大的后周对南唐构成了严重的威胁。后主李煜对那些在南唐做官的北方人心有猜忌，生怕他们存有二心。近日，有人向后主李煜报告，今晚又有一些朝中官员要去北方籍大臣韩熙载家聚会。后主李煜心存疑惑，为了了解真实情况，于是派顾闳中和周文矩深夜潜入韩宅，了解一下他的背后活动情况。

顾闳中发现，宾客中有当年的新科状元郎粲、太常博士陈雍、紫薇郎朱铣等官员和教坊副使李嘉明，此外就是当时一些走红的歌女和舞女。夜宴的气氛异常热烈，宾主觥筹交错，大有一醉方休之势。夜宴进行当中，还有歌女唱歌、奏乐和舞女跳舞助兴。宾客们一个个陶醉于欢乐之中。

顾闳中心里明白，韩熙载这种沉湎声色来消磨时光的做法，实际上是力求自保，想借此来表明自己对权力没有兴趣，以达到避免受皇帝怀疑和迫害的目的。

回去后，顾闳中和周文矩根据自己的目识心记，各自绘制了一幅《韩熙载夜宴图》送给后主李煜。李煜看了画以后，对韩熙载的戒心减少了许多。后来，韩熙载在南唐累官至中书侍郎、光政殿学士承旨，得善终。

《韩熙载夜宴图》原两幅，但周文矩所作的一幅失传，今天我们见到的是顾闳中的作品。顾闳中《夜宴图》纵28.7厘米横335.5厘米。绢本设色，该图为手卷形式，以韩熙载为中心，全图分"听乐"、"观舞"、"休息"、"清吹"及"宴散"五段。各段独立成章，又能连成整体。第一段写韩熙载和宾客们宴饮，听教坊副使李家明的妹妹弹琵琶。第二段写王屋山舞“六么”，熙载亲自击鼓。第三段写客人散后，主人和诸女伎体息盥洗。第四段写熙载更便衣乘凉，听诸女伎奏管乐。第五段写一部分亲近客人和诸女伎调笑。头两段最传神，主宾或静听、或默视，集中注意于弹琴者的手上和歌舞者的身上。击鼓打板的都按节拍演奏，似乎还有声韵传出画外。由于顾闳中观察细微，把韩熙载夜宴达旦的情景描绘得淋漓尽致，五个场景，四十多个人物音容笑貌无一不活脱绢上。画面中乐曲悠扬，舞姿曼妙，觥筹交错，笑语喧哗，更突出了韩熙载心事重重，悒郁无聊的精神状态，每段中出现的韩熙载，面部角度、服饰、动作表情各有不同，但有一点相同，脸上没有笑意，总是深沉、忧郁的。把一个才气高逸，但神态抑郁，既置身于声色之中，又韬光养晦，矛盾复杂的内心世界刻划得入木三分。与一般宴乐图比较，具有一定的思想深度。实际上，它不仅仅是一张描写韩熙载私生活的图画，更重要的是它反映了那个特定的时代风貌，揭示统治阶级内部矛盾。也从一个侧面，十分生动地反映了当时统治阶级的骄奢淫逸。

在艺术处理上，采取了传统的构图方式，打破时间概念，把不同时间中进行的活动组织在同一画面上。全画组织连贯流畅。，画幅情节复杂，人物众多，却安排得宾主有序，繁简得度。在场景之间，画家非常巧妙地运用屏风、几案、管弦乐品、床榻等之类的器物，使之既有相互连接性，又有彼此分离感；既独立成画，又是一幅画卷。这幅图有些画面没有画出墙壁、门窗、屋顶，也没有画出光暗及灯烛，但通过人物的活动，却能让观众感到宴乐是在室内的夜晚进行，体现了中国传统绘画的简练手法。犹如中国旧戏剧，不用布景，只用手势、眼神等动作让观众感到周围景物历历在目。《韩熙载夜宴图》在用笔着色等方面达到了很高水平。全画工整精细，线条细润而圆劲，人物衣服纹饰的刻画严整又简练，对器物的描写真实感强。设色既浓丽又稳重。比例透视有法度可寻，是一幅有重要历史文物价值和杰出艺术成就的古代人物画精品。

洛神赋图美术鉴赏论文篇5

摘要：结合实际教学经验，分析探究性学习教学模式与传递接受式教学模式的概念，同时结合相关教学案例进行研究，以此来对两种高中美术鉴赏教学模式的优势、局限性以及教学过程中的多媒体应用等问题进行探究。

关键词：多媒体；高中美术鉴赏；教学模式；教学资源

中图分类号：g633.955，文献标识码：b

新课改下的高中美术鉴赏教学模式种类非常多元化，特别是在多媒体条件下的高中美术鉴赏教学模式更是为学生的鉴赏能力提升提供了自主学习、写作探求等。然而在实际的多媒体高中美术鉴赏课堂上，教师通常会采用两种或者两种以上的教学策略来进行综合应用，以此来实现既定的教学目标。教师通常会在诸如情景教学策略、现行组织策略、演示策略、练习策略、小组讨论策略等手段中进行任意组合、排列，由此而衍生出来的高中美术鉴赏教学模式便出现无限种可能。

下面以最容易被学生接受的“传递接受式教学模式”与“探究性学习教学模式”作为案例，结合多媒体环境下的高中美术鉴赏教学课堂进行研究。

高中美术鉴赏课程的教学重点在于促进高中生在鉴赏能力与鉴赏方法运用水平上不断提升。每一名高中美术鉴赏教师都必须要意识到美术鉴赏活动并不是单纯的一门课程，更多情况下它将会对学生日后的鉴赏行为、艺术品位等方面产生巨大影响。学生必须要学会独立的鉴赏方式与鉴赏手段，真正地成为一名具有生活品位、艺术品位的高素质人才。特别是“互联网+”时代的来临，人们更是将信息技术更广泛、深入地融入教育领域，多媒体教学手段的应用使得美术鉴赏教学方式、学生学习兴趣与学习手段等发生重大变化。

由于学校的教学环境、教学资源等条件的限制，传统环境下的高中美术鉴赏课程更多时候是平面而又枯燥的。多媒体教学的融入，则通过教学过程的互动、教学信息容量的扩充、教学信息网络化的传输，赋予这门课程全新的生命。多媒体教学不仅弥补了学生对于基础知识的认知，而且能够巧妙地帮助学生将原有认知与新知识进行有机融合，从削弱获取新知识的消耗这一认知资源的角度来减轻学生负担，提升课堂教学质量。

首先是教学内容方面的优势。多媒体教学具有感染力强、形象直观等特点，同时，它的展示不受空间的限制，且信息资源丰富多元，能够更好地实现人机互补，在调动学生感官刺激的同时，实现多元器官的有机融合，进一步将艺术作品的美感通过较多的层次展现在他们面前，从而最大限度调动高中美术课堂的氛围，不断提升教学效率，取得理想的教学效果。

其次，在教学模式方面，多媒体教学手段不仅能够改变教师单纯的灌输教学手段，而且在多媒体教学环境下，教师通过引导与启发，能够激发学生的学习热情，以此将课堂的主体地位归还给他们。由于人类对事物的认知通常是从直观体验开始的，而多媒体教学手段则是顺应了这种认知规律，在高中美术鉴赏教学过程中同样起到十分重要的作用。

最后，多媒体教学完成了师生角色之间的转换。传统的美术教学更加强调教师的主体引导作用，甚至一些教师还在扮演领导与家长的角色，很大程度上是一言堂的权威象征。这种教学模式忽略了学生的重要性，仅仅将他们视为被动而又消极的接受者。可以说多媒体教学走进高中美术鉴赏课堂后，学生不再仅仅只能通过教师讲授来获取知识，教师更多时候更像是一场学习活动的引导者、设计者、参与者，学生可以利用各种多元化的教学资源来主动探索知识，不断提高美术鉴赏能力。

多媒体与高中美术鉴赏课堂的有机融合，不仅为新课改下的高中教学带来多样的教学模式，而且将传递接受式教学模式作为一个媒介，更好地搭建在学生与高中美术鉴赏课堂之间，为学生汲取更多的知识提供了保障。

高中美术鉴赏课程传递接受式教学模式的含义在传统的美术鉴赏课上，教师主要通过板书展示、口传身授等方式来帮助学生完成知识与技能的学习，以此来实现既定的教学任务。然而在多媒体教学辅助下的高中美术鉴赏课堂上，通过传递接受式的教学模式，教师可以灵活运用微软公司的ppt软件来带给学生耳目一新的感受，以此来更好地实现与学生之间的有效沟通，进一步提高教学的传递性与有效性。

高中美术鉴赏课程传递接受式教学模式的应用基于多媒体教学的高中美术鉴赏课堂通过灵活运用传递接受式教学模式，能够对学生实现多层次、多角度的感官冲击，利用有限的资源来调动学生的鉴赏积极性，以此来不断提升课堂教学质量。其特征总结起来主要有如下几点。

1）运用多媒体环境下的高中美术鉴赏传递接受式教学模式，教师可以通过多媒体的运用来激发学生的学习动机。如在欣赏《蒙娜丽莎》这幅名作的时候，教师便可以通过事先准备好的ppt演示来让作品动起来，同时结合历史课上所描述的文艺复兴时期的历史事件，帮助学生搭建起新旧知识的桥梁，让学生领悟到新旧知识之间的各种关系，从而加深对作品的理解。

2）教師可以充分运用多媒体教学来对整个知识进行一种自主构建，通过由浅入深的方式来帮助学生完成对名作的欣赏与认知。

3）站在学生角度来看待这种教学模式，通过多媒体对新知识进行转化，学生不仅能够对原有的认知结构进行拓展，而且能够有效地利用自己的感悟与分析提升对作品的认知，真正地做到举一反三。

教师在多媒体教学环境下的美术鉴赏课堂上，还可以充分利用探究性学习模式展开教学工作，以此来将学生的主观能动性与创造性发挥到极致，通过对知识技能的掌握来拓展创新思维。可以说，与传递教学模式相比，探究性教学模式最大的特点就是其对学生合作、自主、探索等意识的放大。

多媒体教学环境下的高中美术鉴赏探究性学习教学模式的特征探究式教学模式必须要围绕课程中的某个知识点展开，这个知识点不仅需要结合课本情况制定，而且要充分地考虑到学生的需求及认知能力。在实际的教学过程中，教师可以利用电脑互联网来展开分析，通过一种“侦探式”的探究来提出具有启发性的问题，以此鼓励学生通过深刻思考来开展鉴赏。

然而值得注意的是，在这样的课堂传授过程中，教师要注意不要将多媒体教学参考资料做得过于花哨，否则会对学生的注意力产生较大的负面影响，从而导致整个艺术鉴赏探究性教学模式无法得到良好的授课效果。

多媒体教学环境下的高中美术鉴赏探究性学习教学模式的应用在实际的美术鉴赏课堂中，笔者更建议通过借助计算机网络资源的支撑，以小组作为讨论单位进行鉴赏方式的学习。如在欣赏凡·高系列作品的时候，教师便可以通过选择一些内容相关的音乐进行播放，同时配合一些艺术馆、博物馆的视频录像，让学生首先对油画艺术有所了解，随后可以拿出诸如《罗纳河上的星空》《凡·高在阿尔的卧室》《耳朵绑着绷带的自画像》等几幅凡·高大师的名画展开内涵讨论，甚至可以通过有趣的角色扮演，对画中的人物、场景、环境等进行还原，以此强化美术鉴赏课程的趣味性。相信通过这些手段，在教师的影响下，学生一定会得到激发探究动机的技法，同时对这种探究式学习模式产生浓厚的兴趣。

再如面对著名抽象画派大师蒙德里安作品欣赏的时候，高中美术鉴赏教师可以运用多媒体，播放诸如compositiona（《构成a》）《红黄蓝的构成》《百老汇的爵士乐》等大师著名的抽象作品，并让学生猜一猜：大师想要表达的是什么物品、什么环境？为什么这些场景会有这样的艺术变形展示？如果你是蒙德里安大师，会如何展现这些场景？同时可以邀请几名学生走上讲台，站在画板附近进行同名作品的创作。在对蒙德里安大师的作品進行观摩、分析后，教师还可以借助事先准备好的几幅油画作品的图片来让学生猜一猜：哪些是蒙德里安的作品？它们具有什么样的共同特征？等等。

实践证明，在多媒体环境下的高中美术鉴赏教学中，如果能够进行相应的教学模式改革，那么将会取得事半功倍的效果，真正地激发学生对于艺术鉴赏的识别度以及参与度，在高效交流的课堂中实现学生高效学习的达成。但在这种多媒体环境下的教学过程中，教师需要对多媒体的特征进行有效认知与识别，不断拓展其声像同步、画面动态选择以及直观性等教学优势，从而选择最合适的教学模式与教学设计，并与传统的教学手段进行融会贯通，提高高中美术鉴赏教学效率，提高学生鉴赏品位。

[1]周艳慧。多媒体环境下高中美术鉴赏两种教学模式应用研究[d].南京：南京师范大学，20xx.

[2]曾燕。多媒体信息技术在高中美术欣赏课教学中的应用研究[j].美术教育研究，20xx（10）：144.

[3]万云鹏。巧用现代教育技术，丰富高中美术课堂：信息技术与学科教育的融合之路[j].青少年日记：教育教学研究，20xx（3）：46.

[4]许海燕。关注绩效增进融合技术助力课堂变革：杭州市西湖区“教师现代教育技术应用能力建设工程”实践研究[j].中国现代教育装备，20xx（16）：9-10.

洛神赋图美术鉴赏论文篇6

《洛神赋图》为东晋顾恺之所画。画面内容根据曹植的《洛神赋》创作而成，描绘的是曹植与洛神相逢，但是洛神确无奈离去的情。分享了洛神赋图美术的鉴赏论文给大家欣赏！

：《洛神赋图》是最早的以绘画的方式再现一个文学作品的绘画，将一个浪漫主义题材的名篇转化成了绘画史上的杰作，表达出原文中的似幻似真的场景，将洛神无可名状的美丽描绘的令人神往，带给人以无限的美的享受。

他用这篇美文，形容他心目中的美人，“其形也，翩若惊鸿，婉若游龙，荣曜秋菊，华茂春松。髣髴兮若轻云之蔽月，飘飖兮若流风之回雪。远而望之，皎若太阳升朝霞。迫而察之，灼若芙蕖出渌波。秾纤得衷，修短合度。肩若削成，腰如约素。延颈秀项，皓质呈露，芳泽无加，铅华弗御。云髻峨峨，修眉联娟，丹唇外朗，皓齿内鲜。明眸善睐，靥辅承权，瓌姿艳逸，仪静体闲。柔情绰态，媚于语言……”这样一篇美文，受到世人的喜爱和追捧。也激起了当时的绘画奇才顾恺之的创作想象。因而有了这样一幅美轮美奂的《洛神赋图》。依照文中描述的场面，转化为视觉的美景。

这幅画卷所描绘的是，曹植从洛阳到他的封地，这段路途中经过洛水的时候看见到洛神女的情景。虽然说是一个虚构出来的梦幻境地，但是，画卷所忠于的是赋文的结构顺序，选择比较重要的内容来进行描绘，并且用具体生动的形象，依照赋文来给观者讲述，洛神赋中所要讲述的故事的全部过程，成为了一幅千古流传的佳作。在画中，曹子建带着自己的随从，在洛水之滨，凝神张望，好像看见了思念很久的洛神。远处凌波而来的洛神，她的衣带飘逸，动态委婉但是从容，她的目光凝注，表现出来了关切以及迟疑的神情，曹子建与洛神这二人的思念之情，全部都在卷面中展现出来，令人动情。全图绢本设色，艳丽明快，线条准确流畅，充满动感，富有诗意之美。

在中国古代，思想文化发生了巨大变化的时期就是魏晋的这一段时期，同时，中国古代的美术史，在这个时期也是有着重要的发展以及过度。在思想上，因为玄学的兴起，其中的文人学士所崇尚的是“清谈”，对于名教是藐视的，比较喜欢将自己的个性张扬出来，这就是魏晋时期文人的风度。他们在创作绘画的时候，会赋予进去他们自己本身的一种世界观、审美观以及价值观。在这样的大时代背景下，他们不被一些世俗的观念所限制住自己的思想，从而有许多非常著名的画家在这种大环境下诞生，著名的画家中顾恺之就是其中的一名，并且，这一幅《洛神赋图》可以说是在这个时期，非常重要的代表作品。

从《洛神赋图》中可以看出，它所采用的造型以及设色的方式都是古代壁画的一种，它其中对于内容的构图中，是与汉代的一些画像石的布局非常类似的，就好像是今天我们所常见的一种连环画。在《洛神赋图》中的主人公以及对于故事情节的讲述都是在山水树木这一个场景中开展出来的。虽然说这幅图主要的是人物画，但是其中的背景是大量的山水图画。从这幅图中，我们可以在其中领略到中国古代比较早期的一种山水画雏形。山石无皴擦，树木如张扇，布局平列，有些"人大于山，水不容泛"的味道。比较早期的研究山水画的创作以及理论的著名大家中，顾恺之也是在这其中。所以，在《洛神赋》这幅图画中，可以看出山水部分的画法，在当时是具备了大众的审美意象以及艺术形式的。

用绘画的形式将一个文学作品再现出来，《洛神赋图》这是最早的一幅绘画。在这个时期之前，美术作用所体现出来的功能主要还是非新商品，其中的作品很大部分都是历史的典故、忠臣烈士之类的作品，其主要的目的还是在于“歌功颂德”、“成教化、助人伦”，主要的还是为统治阶段作为服务的，对于《洛神赋图》的出现，那就显得了格外的珍贵，具有着非凡的意义。

在绘画的意境上，体现出展现出诗的氛围和情趣。该图在表现原诗的内容上有过之而无不及，所带给人们的形象就是一种“视觉诗”这是一种从未有过的形象，并且更是画与诗相互结合的一个典范。其次的一点，就是书法在这幅画中的地位以及作用。书画同源虽然说比《洛神赋》出现得晚，但是，这幅画其中的笔法遒劲有力，挥洒自如，将书法的功底完美得展现出来。

在传统的中国画中，这种画与诗歌、书法，三种艺术形式相互结合起来，使得了中国画更凸显了精神性文化的内涵。“画是无声的诗，诗是无形的画”这给予了无限的想象空间。

在魏晋南北朝的这个时期中，《洛神赋图》可以说是这个时期的一幅旷世奇画，同时也是诗与画相结合的一个重要典范，并且在当时，这幅画也具备了当时所普遍认同的一个美学特征，同时也可以代表中国在那一个时期，绘画的最高水准。这幅画卷从各个方面上来看，无论是对于内容的构图还是艺术结构或者还是对于人物、环境的刻画等等，种种表现出来的形式，都不愧于是中国古典绘画中的瑰宝。

[1]雷灏。感动中国的100幅古典名画[m]。武汉：武汉出版社，20xx（4）。

[2]（晋）顾恺之绘周殿富。洛神赋图人物传[m]。安徽人民出版社，20xx.

洛神赋图美术鉴赏论文篇7

：爱美之心人皆有之，审美是大自然所赋予人类的一种本能，所以对美的学习是当代大学生所必须要掌握的一门心理学知识。随着我国教育体制改革的不断深入，美术鉴赏课也逐渐走入了我们的大学课堂。美术知识的学习、审美能力的提升这些基本的学习内容无一不跟美术鉴赏课堂有关，因此美术鉴赏对大学教育的影响是非常深远的。因此，从美术鉴赏的概况、美术鉴赏的功能、美术鉴赏对大学生身心的影响这三个主要方面对美术鉴赏进行简单的论述。

：美术鉴赏；大学教育；影响

进入到新世纪以来，国家对素质教育不断提倡，所谓的素质教育就是要让学生在一种和谐、健康、积极的环境中学习和成长，为学生树立正确的世界观、人生观和价值观提供一个良好的环境。大学是培养人才的摇篮，而美术鉴赏是一个人必不可少的一项基本技能，因此美术鉴赏进入大学课堂是培养学生学会学习、学会自立、学会做人以及学会分辨善恶美丑的一项重要举措。那么美术鉴赏课究竟是如何对大学生产生如此大的影响的呢？笔者认为主要有以下几个方面。

（一）现状

进入新时代后，随着物质水平的提高，人们在温饱得到满足后开始增加了对物质文化的需求，在艺术感受和艺术需要方面有了更高的要求，文化的多元性在教育上得到了广泛的体现。当今社会需要的人才也由专一化转向全面发展，大学生自身也愿意去学习和接受各种形式的文化，注重提高自己的文化水平和素养。美术鉴赏属于比较广泛和普及、也是相对于比较好理解和接受的一种文化传递形式。美术作品可以开阔学生的视野，形成学生对美的鉴赏，作品传递的思想和表达的内涵，又可以培养学生对美的事物的判断和吸收能力，因此美术鉴赏受到广大学生和教师的喜爱[1]。

（二）特点

虽然美术鉴赏课程在各大高校都有设立，但它的教学内容和教学形式不一定就适合本校学生的文化需求。其不合理性主要体现在以下几个方面：1.课程设置不够完善和科学它的设置具有不均衡的特点，如对课程的安排时间不合理、课时较少、种类较少。一般美术鉴赏都为几个学期的必修课程，必修课程具有内容单一的特点，适用于专业课和基础课程的学习，但对于美术鉴赏这类灵活性较高的课程，可以根据学生想掌握的方面进行统计，设立多种课程供学生进行多样的选择，满足学生对于美术鉴赏的需求[2]。2.美术鉴赏过于形式化在大多数的大学美术鉴赏课堂上只是一味地进行美术作品的观赏，只了解教材上相对应的作品，没有深入地去了解艺术品的创作背景和过程，要表达的情感也没有进行深入地了解。美术鉴赏的最终目的不是知道一个作品的内容和作者这么简单，而是要通过对作品的鉴赏，达到自身审美素养的提高。

（一）认知功能

作为知识认知的一种方式之一，美术鉴赏不仅可以有利于大学生开阔视野，也有利于对更多知识的不断积累。美术鉴赏的内容往往千变万化，从古至今美术鉴赏就一直被人们广为推崇，比如古时候的人们对诸如瓷器、画卷、折扇等常见的东西进行美术鉴赏，通过鉴赏可以对其质地、产地以及铸造工匠等相关信息进行得知。由此可以知道：通过美术鉴赏可以帮助人们对于事物进行进一步地认知，现代人通过对于古时候的作品进行鉴赏时，除了上面所说的信息的认知以外，还能够帮助人们对了解其所出产的年代、艺术价值以及市场价格，等等。美术鉴赏的认知功能可以更好地提升大学生对于传统文化的认知，由于现在科技发展非常迅猛，很多人都在紧随着时代的步伐，人们对于事物的鉴赏能力也逐步提高，然而更多的是对事物表面的认知，却将其本质忽略了。因此，加强对大学生的美术鉴赏教育，在丰富了学生业余文化的同时，也能够帮助他们对事物进行更深层次地理解及认知[3]。

（二）教育功能

对于艺术的鉴赏，首先是提高了人们对于艺术作品的认知程度。在认知程度的基础上，更有利于我们去对艺术作品在艺术方面进行更深层次的发掘和探讨。通过对于艺术作品的创作者来进行分析，我们可以了解到艺术品的创作者在创作的过程当中是何种心理状态，以及创作者想要表达的艺术思想。例如：对宋代《清明上河图》的作者张择端进行分析可以知道，在他创作这幅巨著时所生活的年代的背景以及他所处的社会阶层，由此也可以引申到画中的内容，通过画中的内容可以知道当时的社会现象以及经济的发展状况，为我们能够更多地了解宋代时期的政治、经济和文化等诸多领域做出了巨大的贡献。美术鉴赏不仅能够起到对学生教育的作用，同时也培养学生的创造力，而创造力的基础必须经过教育才能够实现。因此，通过美术鉴赏可以丰富学生的想象空间，提高思维想象力，能够更好地开拓思维，并在潜移默化的认知过程之中不断地进行思维创新。

（三）审美功能

审美是人意识的一种特殊形态，是人在主观上对于世界的认知、感知与理解的过程。人的审美可以让人找到需要或者喜欢的东西，然而人的审美能力并非是天生所具有的，而是需要人们通过不断地接触事物，并在脑海中增强感知，再加以后天的教育从而培养起来的[4]。审美功能具有基础性和普遍性，同时，人的审美能力也是与道德相关联的一种感官能力。也就是说，人们具有审美的功能，就可以在对所认知和感知到的事物产生一种潜意识的审美思维，通过这种审美的思维，人们可以进行情感的把控以及表达。大学教育中，学生通过对艺术作品的鉴赏，不断地加强大学生对于审美方面的教育，不仅有利于陶冶个人秉性，促进学生形成更好的审美思维以及审美的理念，更有利于他们树立正确的人生观以及良好的人格魅力，也有助于在今后的学习、工作中能够发挥良好的创新思维和创造力，进而更好地服务社会和人民，创造更多的社会价值[5]。

（一）创造性思维的培养

我国的传统教育对青少年的创造性思维培养不够，这主要是因为长期的封建传统政策和小农经济以及将近几十年的计划经济管理体制的运行使人们的创造性思维受到了严重的压制。这种偏爱有知识和技能但因循守旧的社会结构使人们的思想处于一种被动的状态之中，人们忽视甚至忘记了自己的创造能力。因此，在美术鉴赏课堂中，我们不以培养学生的鉴赏能力为教学重点而是以培养学生的创造性思维能力为教学的最终目的[6]。丰子恺先生曾说：“想象是一个非常重要的东西，我们可以用想象是有形的东西变形，同时我们也可以用想象使无形的东西有形。”因此，在大学教育中美术鉴赏是一堂必不可少的课程。

（二）审美能力的教育

自然美、社会美、艺术美这些都是人类审美能力的涉及范围，我们生活的世界是一个灿烂的世界，这个世界上存在着太多太多的对比，如美与丑、对与错等。因此培养学生对美的审视能力，让他们善于发现生活中存在的美的本质是大学教育责无旁贷的一件事情。在美术鉴赏课堂中，教师通过对美术作品的讲解，拉近学生与美术家们的距离，使学生与美术作品产生一种审美关系，这样就会使学生在美的享受中提高自身的审美能力，并且能从教师的讲解中充分感受到美对身心的愉悦功能。

（三）广博知识的学习

艺术家豪泽尔曾经说过：“有的人也许天生就是艺术家，可是如果想成为鉴赏家就必须要经过学习与教育”。美术鉴赏课是根据人的理解能力而开展的一门课程，因此，学生对于知识的积累以及教师的适当引导是提高领悟力的一项重要因素。艺术来源于生活而高于生活，美术也一样，它们都来源于社会，并且都依附于社会而存在，因而如果想要领会美术作品的真正含义就必须要对美术作品所产生的社会背景、人文情怀进行了解与掌握。在鉴赏美术作品的过程当中，教师与学生通过双边活动来发现美术作品的种种外部关系以及深刻内涵，这就要求教师不仅要掌握广泛的美术知识，还要对这些知识进行不同的更新，确保自己所教授的是完整而准确的美术常识[7]。同样地，美术鉴赏课不仅仅是一门关于美术的课程，也是一门包罗万象的世界信息课。

（四）人格境界的提高

审美的中心问题是情感境界问题，美术作品的审美价值主要来源于人类丰富的情感体验。因此，优秀的美术作品往往具有陶冶人的情操、完善人的意志甚至提升人生境界的作用。例如：《长江万里图》中蕴含的浓烈的爱国主义情怀就可以激发起学生对祖国山河的热爱之情；拉斐尔的《圣母像》中母爱的融入使欣赏者能在第一时间感受到作者对母爱的歌颂；还有世界著名雕塑《大卫》，这座作品表现出的坚定、顽强的精神无时无刻不在影响着后人。当下国家提倡的素质教育就是要让学生以一种全面的姿态迎接未来，为学生树立起一个健全的人格而努力。在美术鉴赏课堂的教学中教师讲解的不单单是一些关于美术的基本知识，更是教会学生学习做人、认清美丑的基本常识。正义是美的、是被后人所敬仰的，邪恶是丑的、是被后人所不耻的、坚定是美的、是值得我们学习的，动摇是丑的、是我们不应效仿的。所以，美术鉴赏课对于提高学生的人生境界有着积极的指导作用[8]。

美术鉴赏是以视觉思维为主的过程，通过对艺术品的一系列的感知、理解、想象来升华自己。通过这种作品鉴赏的模式，可以更加直观地来引起共鸣，加深视觉冲击效果，而且在直观事物面前，人们的想象力和代入感也会得到发挥，从而形成更好的体验和更深的理解。美术鉴赏课在学生全面发展、完善自我能力素养上有着不可替代的重要作用，无论是学生还是学校，无论是家长还是各个教育机构，都应该提高对美术鉴赏的重视程度，一起进步，共同发展。

[3]耿振翔。浅析美术鉴赏对大学教育的影响[j].中国校外教育，20xx,(30):165.

[4]欧阳启名。关于美术鉴赏课程改革的探讨[j].首都师范大学学报(社会科学版),20xx,s3:8-10.

[5]边新灿。新一轮高考的改革对大学教育的影响[j].中国高等教育，20xx,02:7-9.

[6]赵志红。民族高校公共美术鉴赏课现状与对策研究———以内蒙古民族大学为例[j].内蒙古民族大学学报(社会科学版),20xx,(03):114-116.

[7]刘瑛，黄意涵。中国艺术品鉴藏与高校美术鉴赏教学改革初探——以长沙理工大学美术鉴赏教学为例[j].大众文艺，20xx,(01):262.

[8]衣方丹，臧闯。美术鉴赏课在大学生素质教育中的作用[j].中国校外教育，20xx,(30):21.

洛神赋图美术鉴赏论文篇8

形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。关于传神论早在汉代就有了萌芽，其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”，而当时著名的画家王延寿则表示作画要“随色象类，曲得其情”。这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者，并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。而到了东晋时期，绘画艺术由“自发”转向“自觉”，而陶瓷雕塑也不例外，典型就是顾恺之的东晋画家顾恺之提出的“以形写神”“，以神造形”“，传神写照”等论点，这些论点无不显示出形神合一的理论特色，自此以后，形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展，在中国文化整体大兴盛的前提下，艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐代的张彦远所说的“以气韵求其画，则形似在其间”。这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“，气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“，气韵”说更是得到了文人士子们的支持成为之后艺术品的必须要求，甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效，甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中，一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。

陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。所以体、形是“实”，神是“虚”。对于陶瓷创作者来说，首先要考虑的就是体与形，在现有的技术利用，使外部空间与雕塑实体有一个和谐的环境，在进行艺术创作时，在观察周围环境的情况下，进行一种合理的嵌入式的艺术，所以在一定形式上说。即精神之最高境界“始于形似，止于神似”。最后，在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来，如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体，一方面利用大规模陶俑数量和军阵的整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合，再这样契合的情况下，甚至于是它们创造了一个外部环境，用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的，二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体，这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现，在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。这样作品的神韵就越发强烈。思想性越深刻，主题越明朗，感染力也越大。

让雕塑形神合一，不仅是许多陶艺家们的追求与梦想也是很多陶瓷雕塑爱好者们的一致要求，只有形神合一，才能给他们一个好的艺术欣赏体验，在这样的情况下，形神合一，必须找出一个可操作的办法。达到“形具而神生”的地步。但这些情况必须也要建立在造型美观的基础上，唯有如此才能有一个好的精神载体，只有这样的精神载体才能体现形神合一，才能满足其需要。

首先，要有准确且精致的造型，准确且精致的造型是进行形体创作的基本要求。造型的净值与准确与否直接影响到陶瓷雕塑的好坏程度，一旦造型失范，比例失调的那么造成的结果就是陶瓷雕塑神韵表达缺乏一个好的载体，即使有再好的精神内涵，也会被外部的问题所掩盖。因此，为了使精神能够得到最好的发挥，必须重视造型能力，进行一定时间一定量的培训。使创作者的造型能力得到进一步一定提高。

其次，对于一个表达对象来说深入的观察是必不可少的，除非有时为了得意忘形，否则一切的精神创作必须依附于原有表达对象的实际，但是对于这样的一种实际有时候也不能很好地表达所以必须能使用形象思维、逻辑思维、整体思维的方法对艺术形象进行适度的改良和合理的夸张。抓住艺术作品和艺术形象的本质以及其在现实中的本质，使他们有机地进行结合，并在结合的过程中进行一种社会性的升华，最好有一种高大的人文关怀。

再次，陶瓷雕塑毕竟是由人创造的所以人的因素自然是不容忽视的，一个人有自己的生活，有他的人际关系圈子，有他的社会经历，他自己的知识范围，这样就会使作者有自己的思想感情和真实感受。而这也不可避免的会影响到作品，毕竟艺术来源于生活，但高于生活，生活的实际又是艺术家进行创作的前提和灵感的来源。一件艺术品，尤其是陶瓷雕塑，其创作出来以后一定会受作者心境的影响，体现作者自身的心灵变化和人格转动。艺术作品的形神合一是作者在一个好的状态下的集合体。所以就要求作者多体验生活，在生活中丰富自己，多进行修身养性的活动，提高自己的精神品质，只有这样才能使自己的艺术修养和文化素质得到大的提升，使自己的作品与自己心灵的契合。

在进行陶瓷雕塑艺术创作时，最好有一个大的人文关怀。正如黑格尔所说“:心灵和它的产品比自然和它的现象高多少，艺术美也就比自然美高多少。”要创造美必须体验美，在体验的过程中发现自身独特的精神美，同时也发现艺术原型的精神美，在二者之间寻找一种优秀的中点，在这个中点中以始形至神，意在塑外为美学原则。创造自己的艺术意境，唯有自己的艺术意境，才是最适合自己的，同时也容易使欣赏者产生一种艺术下的心理共鸣，这样大的心理震撼，既是创作者的享受也是欣赏者的享受，还是艺术品自身价值特别是社会价值的体现。而每个雕塑者只有沉下心去，以艺术的眼观察生活，才可以有这样精致的艺术形象。

[1] 王家斌，王鹤 。中国雕塑史[m]。 天津人民出版社，20xx.

[2] 葛路 。 中国画论史[m]。 北京大学出版社，20xx.

[3] 张景辉 。 陶瓷雕塑[m]。 武汉理工大学出版社，20xx.

[4]曹春生 。 陶瓷雕塑造型与材料应用[m]。 武汉理工大学出版社，20xx.

[5] 朱光潜 。 西方美学史[m]。 人民文学出版社，1997.

[6] 杨辛，甘霖 。 美学原理[m]。 北京大学出版社，1993.

[7]程玲发。浅谈肌理对陶瓷雕塑的作用[j]。中国陶瓷，20xx（10）。

[8]陈在梅 。 浅谈陶瓷雕塑形与神的和谐统一[j]。 中国陶瓷，20xx（11）。

洛神赋图美术鉴赏论文篇9

本文着重从情境式教学的利与弊两方面进行论述，重点讲述情境创设的作用，努力创设良好的教学情境，使学生在良好的学习氛围中接受知识，加速各种能力的提高，情感的升华，较好地解决学生对美术知识的欣赏，从而提高学生的审美能力与创造美的能力。

兴趣；情境式教学；重要作用

将15克的盐放在你的面前，无论如何你难以咽下，但当15克盐放入一碗美味可口的汤中，你早就在享用佳肴时，将15克盐全部吸收了。情境之于知识，犹如汤之于盐。盐需溶入汤中，才能被吸收；知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感。

上面一段话很形象精辟地比喻了情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用。看到这段话，我如一个苦苦念经的和尚顿悟一般，参透了知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感，课堂才能真正被学生喜欢，被学生吸引。知识就是力量，知识是能力的基础，知识改变命运，知识具有无穷的魅力，为什么不少学生还厌学？原因之一就是教师没有让学生体验到知识之美。为此我们要担负起“美容师”的角色，要让我们所“经手”的知识富有美感，要让我们所“经手”的知识“流光溢彩，青春靓丽”。

情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用是显而易见的。

知识本身是具有丰富生动的实际内容，而表征它的语言文字（符号图象）则是抽象和简约的。而我们的教材正是由语言文字和图画汇集成的，我们在学习知识，欣赏作品时，都要透过语言文字、图象把他们所表达的实际事物想清楚，把课堂搞“活”起来，从而把两者真正统一起来，从教育心理学角度讲，这样的学习则是有意义的学习。

教师必须用情感激发学生的学习心向，这是有意义学习的情感前提。正如有的学者所指出的，从血管里流出来的是血，从山泉里流出来的水，从一位充满爱心的教师的教学里，涌腾出来的是一股股极大的感染力，它可以使学生产生同样的或与之相联系的情境。一次讲到罗中立的《父亲》，学生首先被其领袖式构图感染，我趁机讲中国“遗失”的几个词“小姐”、“同志”、“农民”，曾几何时“农民”与“土佬帽”“不讲究卫生”划上了等号，我教育学生农民是我们的衣食父母，没有农民，我们吃什么、穿什么，没有农民工就没有现在的现代化城市，所以我们要尊重农民，热爱农民。从而加深了我们对这幅作品的理解。这只是情境的一个维度“情”。（美术教学论文 ）它是学生进行有意义学习的'认识背景，情境的另一个维度是“境”。

在欣赏中国古代绘画之山水单元专题时，我播放《高山流水》、《平沙落雁》等民族名曲，渲染作品的意境，引发一种思古的心境，让学生达到未见其境如临其境的感受。在音乐中想象自己如古人般畅游在幽静的山水之中，感受大自然山水的美景及意境，这样学生就能在我为大家创设的“境”中进入山水画的鉴赏之中。

在欣赏韩熙载《夜宴图》时，我根据五段式的画面内容，用音乐分别播放琵琶演奏、舞曲、轻音乐、笛箫合奏，引导学生随音乐感受作品的具体情节；再如用古希腊的神话传说，穿插影视讲述，引发同学对古希腊文化的向往与兴趣，我还邀请同学全班示范罗丹的《思想者》、米隆的《掷铁饼者》等可行的形体展示，使学生乐意积极主动的参与整个教学，在互动中体会到欣赏的乐趣，增强作品的感悟能力。

以上这种充满情境式的教学，把本来死板的不会动弹的文字，变成了有生命的东西，钻进了孩子们的脑海中。相反，“如果照着教学法的指示办事，做的冷冰冰的，干巴巴的，缺乏激昂的热情，那未必会有什么效果的。”（赞科夫语）这是因为“未经人的积极情感强化和加温的知识，将使人变得冷漠”。在课堂中如果教师上课冷漠，那么学生听课也必然冷漠。教师无激情讲课，学生必然无激情听课；教师无真情讲课，学生必然无真情听课。

没有激情，课堂教学就像一潭死水；没有真情，师生即使面对面，也犹如背对背。只有激情和真情才会师生之间产生一种相互感染的效应，从而不断激发学生的热情唤起学生的求知欲，激发学生进入教材的欲望，感受“身临其境”意境。情感激发的目的在于为课堂教学提供一个良好的情绪背景，学生兴致勃勃，兴趣浓厚，甚至兴高采烈，这是教学的最佳精神状态。正如英国教育学家洛克说的“孩子学习任何事情的最合理的时机是当他们兴致高、心里想做的时候。”

创设情境既要为学生的学习提供认知停靠点，也要激发学生的学习方向。这是情境教学的两大功能，也是促进学生有意义学习的两个先决条件。

当然，我们都注重“情境”吸引学生，激发学生的求知欲，课堂因此有了生气、有了效率，但是，有的教师只把它当作点缀，还有一些教师却因此迷失了教学的方向 。不少教师对情境在教学中的应用存在偏差，创设的 “情境”要么目的不够明确，师生的调侃游离于教学目标之外，要么缺乏价值取向过于花哨。如果设置不好，反而弄巧成拙，一味地挖空心思地在教学备课中为创设情境，寻找素材花费大量的时间和精力，却忽视了‘备美术’、‘备学生’，忽视了现实情境背后所隐含的美术线索，抓不住一节课的教学重点不懂得如何克服难点，对学生的认知起点定位不准，即所创设的情境再吸引人，也很难说是一堂成功的美术鉴赏课。因此，在注重情境的同时，还必须更深入地研究美术教材及学生。还有一种现象，有些创设情境无关因素大大干扰了课堂的进程，导致课堂效率低下。

如在鉴赏《中国古代陵墓雕塑》时，教师从奴隶社会的陪葬讲到世界各地的葬礼竟然用了一节课的三分之一时间，这样就本末倒置，抓不住重点了。

另外“情境”的创设并不时时处处需要，而应根据具体情况进行具体分析。情境作为美术知识的载体，是为美术教学服务的。我们应根据美术知识的线索，努力创设“良好的”“合适的”情境。

总之，情境式教学在美术鉴赏课堂中是课堂教学的基本要素，有利也有弊，对其弊端要克服，更要发挥其有利的方面，努力创设有价值的教学情境，更好地为课堂教学服务，让课堂成为学生学习的乐土。

洛神赋图美术鉴赏论文篇10

电影精彩画面重现：

十面埋伏电影讲述了唐朝官府捕快与江湖门派飞刀门之间一场惊险刺激、扑朔迷离的追捕与反追捕的故事。而最经典的莫过于竹林打斗这一场景了。“小妹”（章子怡饰）在一片竹海中遭到官府的追杀，在危机时刻，“金捕头”（金城武饰）出现了。在竹林逃命一幕中，小妹和金捕头在官府追兵的追杀下寸步难行，上有在树梢间穿梭的捕头，下有尖竹阵拦路，腹背受敌。在被锋利的竹筒架在中间后，眼前两人不能再活，必死无疑。千钧一发之际，终于！飞刀门的人出来了，居然是“阿母”（宋丹丹饰），于是两人获救。画面赏析：

2004年，在张艺谋的这部《十面埋伏》的电影中，布置了一场非常诗意唯美的竹林打斗场面，而这个打斗场面的发生地就在重庆永川茶山竹海。

http:///view/?fr=ala0_1）在《十面埋伏》的这场竹林一战中，可以说色彩非常明丽，气韵很独特，整个画面满满的全是一片翠绿，即使是画面的几个人物也是着深绿色服装，看起来给人的感觉就是很舒服很清新，独具有一种诗化的东方美，特别是通过电影手段的放大和强化，使这一场景给观众带来视觉上的美妙享受。或许观众在观看电影时，可能更多的是忽略电影的具体情节，而被唯美的画面所迷住，在看完之后，电影画面还深深地留在人的大脑中，许久以后还会历历在目，细细回味时感叹画面精致之余，更是产生了对茶山竹海的神往之情。作为一名普通的观众，对我来说，这部电影到底讲的是什么，现在我也记不清楚了，也并不重要了，但对于这个竹林打斗的场景却深深地印在我的大脑中，无论何时提到《十面埋伏》，我唯一想到的就是这个画面。同样的，对于国外西方观众来说，这部电影也同样最大程度上满足了他们对东方美景与古老文化的好奇和想象，使他们深深感受到中华文化的美。我自认为，这个电影片段充分体现了导演张艺谋的想象力、创造力和聪明才智，应该是张艺谋执导的电影中难得的精彩片段。古代著名诗人苏东坡曾说“宁可食无肉，不可居无竹”，竹子在中国文化中，素来有着极高的地位，它被赋予了刚正之节、虚心之德、柔韧之力和孝义之情等等美好的意义，似乎已经成为东方中国的代表词汇，具有一种神秘的图腾力量。而在电影《十面埋伏》对竹子的使用重点没有单单放在竹子本身的柔韧性，对竹本身的描写上面，而是在竹林间安排了几组人物错落的位置关系，并着力营造了这种微妙关系所带来的气氛和情调。也就是说，随着时间的推移，竹子已不再局限于个体的利用，它不再为打斗而打斗，而更有了在电影中的群像演出。通过精心、独到的场景设计，在这个场景中惟妙惟肖地表现出了风光旖旎的茶山竹海的神韵。

人们常说美的体现并不是单单通过几个“漂亮”、“绚丽”、“迷人”等形容词就能做到的。的确如此，真正的美不是源自外表，而更多的是要我们内心去细细品味、感受。《十面埋伏》中是这场竹林打斗画面美，然而其内在的那种神韵、气质却需要我们以细细去品味。或许我们就会被这秀美风景所深深牵引。

《十面埋伏》剧照

导演：张艺谋

主演：章子怡、刘德华、金城武